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Puzzles de World Stage America - Histoire

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Arthur Wynne est né le 22 juin 1871 à Liverpool, en Angleterre. Il a immigré aux États-Unis à l'âge de dix-neuf ans. Il a d'abord vécu à Pittsburgh, en Pennsylvanie, et a travaillé pour le journal Pittsburgh Press. Une note intéressante était que Wynne jouait également du violon dans l'Orchestre symphonique de Pittsburgh.

Plus tard, Arthur Wynne a déménagé à Cedar Grove, New Jersey et a commencé à travailler pour un journal basé à New York appelé le New York World. Il a écrit le premier jeu de mots croisés pour le New York World, publié le dimanche 21 décembre 1913. L'éditeur avait demandé à Wynne d'inventer un nouveau jeu pour la section de divertissement du dimanche du journal.


Le vrai maigre : un expert retrace la mince obsession de l'Amérique

Lorsque vous considérez le poids moyen d'un mannequin, l'industrie des régimes à 70 milliards de dollars ou les 6 à 11 millions de personnes qui souffrent de troubles de l'alimentation, vous arrivez à une conclusion : l'Amérique est pratiquement obsédée par la minceur. Mais il n'en a pas toujours été ainsi. De nombreuses cultures non occidentales considèrent l'embonpoint féminin comme un signe de santé et de vitalité, et, avant les années 1800, les Américains aussi.

Selon Sarah Lohman, une « gastronome historique » et auteur de Four Pounds Flour, un blog consacré à la cuisine et aux pratiques alimentaires du passé, les Américains ont toujours été plus lourds que nos homologues européens. Il y a simplement plus de terres disponibles dans ce pays pour cultiver de la nourriture, et depuis l'époque coloniale, les Américains ont porté la prime supplémentaire sur leur corps. Cependant, être « dodu comme une perdrix » était un compliment, a déclaré Lohman hier (24 janvier), lors d'une conférence au Musée américain d'histoire naturelle de New York. Ensuite, tout a changé.

Les graines d'un régime ont été semées dans les années 1840, lorsqu'un ministre presbytérien nommé Sylvester Graham a commencé à préconiser un régime simple et abstinent pour les femmes comme la clé de la santé et de la moralité. "Les épices, les stimulants et autres excès conduisent à l'indigestion, la maladie, les excès sexuels et les troubles civils", a prêché Graham. Ses disciples, connus sous le nom de "Grahamites", mangeaient principalement du pain fait de farine de graham grossière (également utilisée pour faire les biscuits Graham originaux), ainsi que des légumes et de l'eau. "C'est le début du courant dominant, contrairement aux riches qui sont conscients de leur régime alimentaire", a déclaré Lohman.

Ensuite, dans les années 1860, le régime Banting, un prototype riche en protéines du régime Atkins actuel, est devenu très populaire. Son créateur, William Banting, considérait la corpulence comme un handicap physique, et ses enseignements ont ouvert la voie à une plongée nationale dans l'obsession anti-graisse.

"À la fin du siècle, les Américains étaient tombés la tête la première dans cette bataille contre la graisse", a déclaré Lohman. "Entre 1890 et 1920 en particulier, l'image américaine du corps idéal a complètement changé, passant d'un embonpoint sain à une image où la graisse est devenue associée à la paresse. Il y avait un courant étonnamment fort de dégoût contre les personnes perçues comme obèses."

Plusieurs facteurs clés ont convergé pour provoquer un changement radical, a déclaré Lohman. Premièrement, les problèmes de santé concernant le corset étaient de plus en plus acceptés et les sous-vêtements qui écrasaient les organes étaient progressivement démodés. Les corsets n'ont jamais été destinés à rendre les femmes plus minces, mais plutôt à réorganiser leur graisse, en la poussant dans la direction à la mode à l'époque. Le départ du corset au tournant du siècle a laissé les femmes seules &mdash et insatisfaites &mdash de leurs formes naturelles. [Hommes contre femmes : nos principales différences physiques expliquées]

La révolution industrielle a également joué un rôle : à mesure que les tailles de vêtements standardisées sont devenues populaires, les femmes étaient plus conscientes que jamais de leurs tailles relatives. "Avant, vous alliez chez une couturière, et elle vous confectionnait une robe. Maintenant, vous alliez dans un grand magasin et vous achetiez des petits, moyens et grands, ou 8, 9 et 10, et cela donnait un moyen très facile de comparer qui était plus grand que qui », a déclaré Lohman.

De plus, l'Amérique s'urbanisait, ce qui signifiait plus de personnes occupant des emplois sédentaires avec accès à plus de choix alimentaires. Les Américains prenaient du poids et cette tendance place l'obésité au premier plan de la conversation nationale.

Les plus influents de tous ont été les progrès de la science alimentaire. "Nous avons découvert la calorie", a déclaré Lohman, et peu de temps après, les protéines, les graisses, les vitamines et les minéraux. « Maintenant, nous avions un moyen de quantifier notre santé. »

Le développement de l'échelle de personne a complété le tableau, donnant aux gens un moyen de surveiller leur propre poids. "Maintenant, vous connaissiez les calories (votre apport) et la production (votre poids). Plus ces chiffres étaient petits, plus vous étiez en bonne santé", a déclaré Lohman.

Dans les années 1920, les régimes amaigrissants et le comptage des calories faisaient partie de la vie quotidienne, a-t-elle déclaré. La plupart des femmes américaines suivaient un régime ou se sentaient coupables de ne pas suivre de régime. Et le reste est de l'histoire.

Cette histoire a été fournie par Life's Little Mysteries, un site frère de LiveScience. Suivez Natalie Wolchover sur Twitter @nattyover. Suivez Life's Little Mysteries sur Twitter @llmysteries, puis rejoignez-nous sur Facebook.


Contenu

Malgré la ressemblance du théâtre avec l'exécution d'activités rituelles et la relation importante que le théâtre partage avec le rituel, il n'y a aucune preuve concluante pour montrer que le théâtre est né du rituel. [2] Cette similitude du théâtre primitif avec le rituel est attestée négativement par Aristote, qui dans son Poétique défini le théâtre par opposition aux représentations des mystères sacrés : le théâtre n'exigeait pas que le spectateur jeûne, boive le kykeon ou marche en procession, mais le théâtre ressemblait aux mystères sacrés dans le sens où il apportait purification et guérison au spectateur au moyen d'une vision, le théama. L'emplacement physique de ces représentations a donc été nommé théâtre. [3]

Selon les historiens Oscar Brockett et Franklin Hildy, les rituels incluent généralement des éléments qui divertissent ou procurent du plaisir, tels que des costumes et des masques ainsi que des artistes qualifiés. À mesure que les sociétés devenaient plus complexes, ces éléments spectaculaires ont commencé à être joués dans des conditions non rituelles. À ce moment-là, les premiers pas vers le théâtre en tant qu'activité autonome étaient faits. [4]

Théâtre grec Modifier

Le théâtre grec, le plus développé à Athènes, est la racine de la tradition occidentale théâtre est un mot d'origine grecque. [2] Cela faisait partie d'une culture plus large de la théâtralité et de la performance dans la Grèce classique qui comprenait des festivals, des rituels religieux, la politique, le droit, l'athlétisme et la gymnastique, la musique, la poésie, les mariages, les funérailles et colloques. [6] [a] La participation aux nombreux festivals de la cité-État – et la présence à la City Dionysia en tant que membre du public (ou même en tant que participant aux productions théâtrales) en particulier – était une partie importante de la citoyenneté. [7] La ​​participation civique impliquait également l'évaluation de la rhétorique des orateurs mis en évidence dans les représentations au tribunal ou à l'assemblée politique, qui étaient toutes deux comprises comme analogues au théâtre et en sont venues à absorber de plus en plus son vocabulaire dramatique. [8] Le théâtre de la Grèce antique se composait de trois types de drame : la tragédie, la comédie et la pièce satyrique. [9]

La tragédie athénienne – la plus ancienne forme de tragédie encore en vie – est un type de danse dramatique qui a constitué une partie importante de la culture théâtrale de la cité-État. [10] [b] Ayant émergé au cours du VIe siècle av. J.-C., il fleurit au Ve siècle av. [11] [c] Aucune tragédie du 6ème siècle et seulement 32 des plus d'un millier qui ont été jouées au cours du 5ème siècle ont survécu. [12] [d] Nous avons des textes complets existants par Eschyle, Sophocle et Euripide. [13] [e] Les origines de la tragédie restent obscures, bien qu'au 5ème siècle elle ait été institutionnalisée dans les compétitions (agon) organisé dans le cadre des festivités célébrant Dionysos (dieu du vin et de la fertilité). [14] En tant que candidats au concours City Dionysia (le plus prestigieux des festivals de théâtre), les dramaturges devaient présenter une tétralogie de pièces (bien que les œuvres individuelles ne soient pas nécessairement liées par une histoire ou un thème), qui consistait généralement en trois tragédies et une pièce de satyre. [15] [f] L'exécution de tragédies à la ville Dionysia peut avoir commencé dès 534 BC documents officiels (didaskaliai) commencent à partir de 501 avant JC, lorsque le jeu de satyre a été introduit. [16] [g] La plupart des tragédies athéniennes dramatisent des événements de la mythologie grecque, bien que Les Perses– qui met en scène la réponse perse à la nouvelle de leur défaite militaire à la bataille de Salamine en 480 avant JC – est l'exception notable dans le drame survivant. [17] [h] Quand Eschyle a remporté le premier prix pour cela à la ville de Dionysie en 472 av. [18] Plus de 130 ans plus tard, le philosophe Aristote a analysé la tragédie athénienne du Ve siècle dans le plus ancien ouvrage de théorie dramatique qui nous ait survécu : son Poétique (vers 335 av. J.-C.). La comédie athénienne est classiquement divisée en trois périodes, "Old Comedy", "Middle Comedy" et "New Comedy". La vieille comédie survit aujourd'hui en grande partie sous la forme des onze pièces survivantes d'Aristophane, tandis que la moyenne comédie est en grande partie perdue (conservée uniquement dans des fragments relativement courts chez des auteurs tels que Athénée de Naucratis). La Nouvelle Comédie est connue principalement par les importants fragments de papyrus des pièces de Ménandre. Aristote a défini la comédie comme une représentation de personnes risibles qui implique une sorte d'erreur ou de laideur qui ne cause ni douleur ni destruction. [19]

Théâtre romain Modifier

Le théâtre occidental s'est développé et s'est considérablement développé sous les Romains. L'historien romain Tite-Live a écrit que les Romains ont expérimenté le théâtre pour la première fois au 4ème siècle avant JC, avec une représentation d'acteurs étrusques. [20] Beacham soutient que les Romains étaient familiers avec les « pratiques pré-théâtrales » depuis un certain temps avant ce contact enregistré. [21] Le théâtre de la Rome antique était une forme d'art florissante et diversifiée, allant des représentations de festival de théâtre de rue, de danse nue et d'acrobatie, à la mise en scène des comédies de situation largement attrayantes de Plaute, aux tragédies de haut style et verbalement élaborées de Sénèque. Bien que Rome ait une tradition autochtone de représentation, l'hellénisation de la culture romaine au IIIe siècle av.

Après l'expansion de la République romaine (509-27 avant JC) dans plusieurs territoires grecs entre 270-240 avant JC, Rome a rencontré le drame grec. [22] À partir des dernières années de la république et au moyen de l'Empire romain (27 av. culturelle avant elle. [23] Tandis que le drame grec a continué à être exécuté tout au long de la période romaine, l'année 240 BC marque le début du drame romain régulier. [22] [i] Depuis le début de l'empire, cependant, l'intérêt pour le drame complet a décliné en faveur d'une plus grande variété de divertissements théâtraux. [24]

Les premières œuvres importantes de la littérature romaine furent les tragédies et les comédies écrites par Livius Andronicus à partir de 240 av. [25] Cinq ans plus tard, Gnaeus Naevius a commencé aussi à écrire du drame. [25] Aucune pièce de théâtre de l'un ou l'autre écrivain n'a survécu. Alors que les deux dramaturges composaient dans les deux genres, Andronicus était surtout apprécié pour ses tragédies et Naevius pour ses comédies, leurs successeurs avaient tendance à se spécialiser dans l'un ou l'autre, ce qui a conduit à une séparation du développement ultérieur de chaque type de drame. [25] Au début du IIe siècle av. J.-C., le théâtre était fermement établi à Rome et une guilde d'écrivains (Collège poète) avait été formé. [26]

Les comédies romaines qui ont survécu sont toutes fabula palliata (comédies basées sur des sujets grecs) et proviennent de deux dramaturges : Titus Maccius Plautus (Plautus) et Publius Terentius Afer (Terence). [27] En retravaillant les originaux grecs, les dramaturges comiques romains ont aboli le rôle du chœur dans la division du drame en épisodes et ont introduit un accompagnement musical à son dialogue (entre un tiers du dialogue dans les comédies de Plaute et deux- tiers dans ceux de Terence). [28] L'action de toutes les scènes se déroule à l'extérieur d'une rue et ses complications découlent souvent de l'écoute clandestine. [28] Plaute, le plus populaire des deux, a écrit entre 205 et 184 av. . [29] Les six comédies écrites par Terence entre 166 et 160 av. . [29]

Aucune tragédie romaine primitive ne survit, bien qu'elle ait été très appréciée à son époque, les historiens connaissent trois premiers tragédiens : Quintus Ennius, Marcus Pacuvius et Lucius Accius. [28] De l'époque de l'empire, l'œuvre de deux tragédiens survit : l'un est un auteur inconnu, tandis que l'autre est le philosophe stoïcien Sénèque. [30] Neuf des tragédies de Sénèque survivent, toutes fabula crepidata (tragédies adaptées d'originaux grecs) son Phèdre, par exemple, était basé sur Euripide Hippolyte. [31] Les historiens ne savent pas qui a écrit le seul exemple existant de la fabula praetexta (tragédies basées sur des sujets romains), Octavie, mais autrefois, il a été attribué à tort à Sénèque en raison de son apparition en tant que personnage de la tragédie. [30]

Contrairement au théâtre grec antique, le théâtre de la Rome antique autorisait les interprètes féminines. Alors que la majorité était employée pour danser et chanter, une minorité d'actrices est connue pour avoir joué des rôles oratoires, et il y avait des actrices qui ont atteint la richesse, la renommée et la reconnaissance pour leur art, comme Eucharis, Dionysia, Galeria Copiola et Fabia Arete : elles ont également formé leur propre guilde d'acteurs, le Société Mimae, qui était évidemment assez riche. [32]

Théâtre de transition et du début du Moyen Âge, 500-1050 Modifier

Alors que l'Empire romain d'Occident tombait en décadence au cours des IVe et Ve siècles, le siège du pouvoir romain s'est déplacé vers Constantinople et l'Empire romain d'Orient, aujourd'hui appelé l'Empire byzantin. Bien que les preuves survivantes sur le théâtre byzantin soient faibles, les archives existantes montrent que le mime, la pantomime, les scènes ou les récitations de tragédies et de comédies, les danses et autres divertissements étaient très populaires. Constantinople avait deux théâtres qui étaient en service jusqu'au 5ème siècle. [33] Cependant, la véritable importance des Byzantins dans l'histoire théâtrale est leur préservation de nombreux textes grecs classiques et la compilation d'une encyclopédie massive appelée la Suda, à partir de laquelle est dérivée une grande quantité d'informations contemporaines sur le théâtre grec.

A partir du Ve siècle, l'Europe occidentale est plongée dans une période de désordre général qui dure (avec une brève période de stabilité sous l'Empire carolingien au IXe siècle) jusqu'au Xe siècle. Ainsi, la plupart des activités théâtrales organisées ont disparu en Europe occidentale. Bien qu'il semble que de petits groupes nomades aient voyagé à travers l'Europe tout au long de la période, se produisant partout où ils pouvaient trouver un public, il n'y a aucune preuve qu'ils aient produit autre chose que des scènes grossières. [34] Ces artistes ont été dénoncés par l'Église pendant l'âge des ténèbres car ils étaient considérés comme dangereux et païens.

Au début du Moyen Âge, les églises d'Europe ont commencé à mettre en scène des versions dramatisées d'événements bibliques particuliers à des jours spécifiques de l'année. Ces mises en scène ont été intégrées afin de vivifier les célébrations annuelles. [35] Les objets et actions symboliques – vêtements, autels, encensoirs et pantomime exécutés par les prêtres – rappelaient les événements que célèbre le rituel chrétien. Il s'agissait de vastes ensembles de signes visuels qui pouvaient être utilisés pour communiquer avec un public en grande partie analphabète. Ces représentations se sont transformées en drames liturgiques, dont le plus ancien est le Qui cherchez-vous (Quem-Quaeritis) Trope de Pâques, datant de ca. 925. [35] Le drame liturgique était chanté de manière réactive par deux groupes et n'impliquait pas d'acteurs se faisant passer pour des personnages. Cependant, entre 965 et 975, Æthelwold de Winchester composa le Regularis Concordia (Accord monastique) qui contient une saynète complète avec des instructions pour la performance. [36]

Hrosvitha (c. 935 - 973), chanoinesse du nord de l'Allemagne, a écrit six pièces inspirées des comédies de Terence mais utilisant des sujets religieux. Ces six pièces – Abraham, Callimaque, Dulcitius, Gallicanus, Paphnuce, et Sapientia – sont les premières pièces connues composées par une femme dramaturge et les premières œuvres dramatiques occidentales identifiables de l'ère post-classique. [36] Ils ont été publiés pour la première fois en 1501 et ont eu une influence considérable sur les pièces religieuses et didactiques du XVIe siècle. Hrosvitha a été suivie par Hildegarde de Bingen (d. 1179), une abbesse bénédictine, qui a écrit un drame musical latin appelé Ordo Virtutum en 1155.

Théâtre médiéval haut et tardif, 1050-1500 Modifier

Alors que les invasions vikings cessaient au milieu du XIe siècle, le drame liturgique s'était propagé de la Russie à la Scandinavie en passant par l'Italie. Ce n'est que dans la péninsule ibérique occupée par les musulmans que les drames liturgiques n'ont pas été présentés du tout. Malgré le grand nombre de drames liturgiques qui ont survécu à cette période, de nombreuses églises n'en auraient joué qu'un ou deux par an et un plus grand nombre n'en a jamais joué. [37]

La fête des fous était particulièrement importante dans le développement de la comédie. Le festival a inversé le statut du petit clergé et leur a permis de ridiculiser leurs supérieurs et la routine de la vie de l'église. Parfois, des pièces de théâtre ont été mises en scène dans le cadre de l'occasion et une certaine quantité de burlesque et de comédie s'est glissée dans ces performances. Bien que les épisodes comiques aient vraiment dû attendre la séparation du drame de la liturgie, la Fête des fous a sans aucun doute eu un effet profond sur le développement de la comédie dans les pièces religieuses et profanes. [38]

La représentation de pièces religieuses en dehors de l'église a commencé au XIIe siècle par un processus traditionnellement accepté de fusion de drames liturgiques plus courts en pièces plus longues qui ont ensuite été traduites en langue vernaculaire et jouées par des laïcs. Le mystère d'Adam (1150) donne du crédit à cette théorie car sa mise en scène détaillée suggère qu'elle a été mise en scène à l'extérieur. Un certain nombre d'autres pièces de la période survivent, y compris La Seinte Résurrection (Normand), Le jeu des rois mages (espagnol), et Sponsus (Français).

L'importance du Haut Moyen Âge dans le développement du théâtre a été les changements économiques et politiques qui ont conduit à la formation de guildes et à la croissance des villes. Cela conduirait à des changements importants à la fin du Moyen Âge. Dans les îles britanniques, des pièces de théâtre ont été produites dans quelque 127 villes différentes au Moyen Âge. Ces pièces de Mystère vernaculaires ont été écrites en cycles d'un grand nombre de pièces : York (48 pièces), Chester (24), Wakefield (32) et Unknown (42). Un plus grand nombre de pièces ont survécu en France et en Allemagne à cette période et certains types de drames religieux ont été joués dans presque tous les pays européens à la fin du Moyen Âge. Beaucoup de ces pièces contenaient de la comédie, des diables, des méchants et des clowns. [39]

La majorité des acteurs de ces pièces étaient issus de la population locale. Par exemple, à Valenciennes en 1547, plus de 100 rôles sont attribués à 72 comédiens. [40] Les pièces de théâtre ont été mises en scène sur des scènes de wagon de reconstitution historique, qui étaient des plates-formes montées sur des roues utilisées pour déplacer le paysage. Fournissant souvent leurs propres costumes, les artistes amateurs en Angleterre étaient exclusivement des hommes, mais d'autres pays avaient des interprètes féminines. La scène de la plate-forme, qui était un espace non identifié et non un lieu spécifique, permettait des changements brusques de localisation.

Les pièces de moralité ont émergé comme une forme dramatique distincte vers 1400 et ont prospéré jusqu'en 1550. La pièce de moralité la plus intéressante est Le château de la persévérance qui dépeint les progrès de l'humanité de la naissance à la mort. Cependant, la pièce de moralité la plus célèbre et peut-être le drame médiéval le plus connu est Chaque homme. Tout le monde reçoit l'appel de la mort, lutte pour s'échapper et se résigne finalement à la nécessité. En cours de route, il est abandonné par la famille, les biens et la communauté - seules les bonnes actions l'accompagnent dans la tombe.

Il y avait aussi un certain nombre de spectacles profanes mis en scène au Moyen Âge, dont le plus ancien est Le jeu du bois vert par Adam de la Halle en 1276. Il contient des scènes satiriques et du matériel folklorique tels que des fées et d'autres événements surnaturels. Farces a également augmenté de façon spectaculaire en popularité après le 13ème siècle. La majorité de ces pièces viennent de France et d'Allemagne et sont similaires dans le ton et la forme, mettant l'accent sur le sexe et les excrétions corporelles. [41] Le dramaturge de farces le plus connu est Hans Sachs (1494-1576) qui a écrit 198 œuvres dramatiques. En Angleterre, The Second Shepherds' Play of the Wakefield Cycle est la première farce la plus connue. Cependant, la farce n'est apparue indépendamment en Angleterre qu'au XVIe siècle avec l'œuvre de John Heywood (1497-1580).

Un précurseur important du développement du drame élisabéthain était les Chambres de rhétorique aux Pays-Bas. [42] Ces sociétés s'intéressaient à la poésie, à la musique et au théâtre et organisaient des concours pour voir quelle société pouvait composer le meilleur drame par rapport à une question posée.

À la fin de la fin du Moyen Âge, des acteurs professionnels ont commencé à apparaître en Angleterre et en Europe. Richard III et Henri VII ont tous deux maintenu de petites compagnies d'acteurs professionnels. Leurs pièces ont été jouées dans la grande salle de la résidence d'un noble, souvent avec une plate-forme surélevée à une extrémité pour le public et un "écran" à l'autre pour les acteurs. Les pièces de théâtre de Mummers, jouées pendant la saison de Noël, et les masques de cour étaient également importants. Ces masques étaient particulièrement populaires sous le règne d'Henri VIII qui fit construire une Maison des Fêtes et un Bureau des Fêtes établi en 1545. [43]

La fin du drame médiéval est due à un certain nombre de facteurs, notamment l'affaiblissement du pouvoir de l'Église catholique, la Réforme protestante et l'interdiction des pièces religieuses dans de nombreux pays. Elizabeth I interdit toutes les pièces religieuses en 1558 et les grandes pièces de cycle avaient été réduites au silence dans les années 1580. De même, les pièces religieuses furent interdites aux Pays-Bas en 1539, dans les États pontificaux en 1547 et à Paris en 1548. L'abandon de ces pièces détruisit le théâtre international qui y avait existé et obligea chaque pays à développer sa propre forme de théâtre. Cela a également permis aux dramaturges de se tourner vers des sujets profanes et le regain d'intérêt pour le théâtre grec et romain leur a fourni l'occasion idéale. [43]

Commedia dell'arte et Renaissance Modifier

Commedia dell'arte des troupes ont joué des saynètes d'improvisation animées à travers l'Europe [44] pendant des siècles. Il est originaire d'Italie [44] dans les années 1560. Comédie est un théâtre centré sur l'acteur, nécessitant peu de décors et très peu d'accessoires. Les pièces de théâtre ne proviennent pas du drame écrit mais de paresseux, des cadres lâches qui fournissent les situations, les complications et le résultat de l'action, autour desquels les acteurs improvisent. Les pièces utilisent des personnages de base, qui pourraient être divisés en trois groupes : les amants, les maîtres et les serviteurs. Les amants avaient des noms et des caractéristiques différents dans la plupart des pièces et étaient souvent les enfants du maître. Le rôle du maître est basé sur l'un des trois stéréotypes suivants : Pantalone, un vieux marchand vénitien Dottore, l'ami ou le rival de Pantalone, un médecin ou un avocat pédant et Capitano, qui était autrefois un personnage amoureux, mais qui est devenu un fanfaron qui se vante de ses exploits. dans l'amour et la guerre, tout en étant terriblement incompétent dans les deux. Le personnage serviteur (appelé zanni) n'a qu'un seul rôle récurrent : Arlecchino (appelé aussi Arlequin). Il est à la fois rusé et ignorant, mais un danseur et un acrobate accompli. Il porte généralement un bâton en bois avec une fente au milieu qui fait un bruit fort lorsqu'il frappe quelque chose. Cette "arme" nous a donné le terme "slapstick".

Une troupe se composait généralement de 13 à 14 membres. La plupart des acteurs étaient payés en prenant une part des bénéfices de la pièce à peu près équivalente à la taille de leur rôle. Le style de théâtre était à son apogée de 1575 à 1650, mais même après cette époque, de nouveaux scénarios ont été écrits et joués. Le dramaturge vénitien Carlo Goldoni a écrit quelques scénarios à partir de 1734, mais comme il considérait le genre vulgaire, il a affiné les sujets pour qu'ils soient plus sophistiqués. Il a également écrit plusieurs pièces de théâtre basées sur des événements réels, dans lesquelles il a inclus commedia personnages.

La commedia dell'arte a permis aux femmes professionnelles de se produire très tôt : Lucrezia Di Siena, dont le nom figure sur un contrat d'acteurs de 1564, a été désignée comme la première actrice italienne connue de nom, avec Vincenza Armani et Barbara Flaminia comme première primadonna et les actrices bien documentées en Europe. [45]

Théâtre élisabéthain anglais Modifier

Le théâtre de la Renaissance est dérivé de plusieurs traditions théâtrales médiévales, telles que les pièces de mystère qui faisaient partie des festivals religieux en Angleterre et dans d'autres parties de l'Europe au Moyen Âge. D'autres sources incluent les « pièces de moralité » et le « drame universitaire » qui tentaient de recréer la tragédie athénienne. La tradition italienne de Commedia dell'arte, ainsi que les masques élaborés fréquemment présentés à la cour, ont également contribué à façonner le théâtre public.

Depuis avant le règne d'Elizabeth I, des compagnies de joueurs étaient rattachées à des ménages d'aristocrates de premier plan et se produisaient de façon saisonnière dans divers endroits. Ceux-ci sont devenus la base pour les joueurs professionnels qui ont joué sur la scène élisabéthaine. Les tournées de ces acteurs ont progressivement remplacé les représentations des pièces de mystère et de moralité par des acteurs locaux, et une loi de 1572 a éliminé les sociétés restantes dépourvues de mécénat officiel en les qualifiant de vagabonds.

Les autorités de la ville de Londres étaient généralement hostiles aux représentations publiques, mais son hostilité était contrebalancée par le goût de la reine pour les pièces de théâtre et le soutien du Conseil privé. Les théâtres ont surgi dans les banlieues, en particulier dans le Liberty de Southwark, accessible de l'autre côté de la Tamise aux citadins mais hors du contrôle de l'autorité. Les compagnies ont prétendu que leurs représentations publiques n'étaient que de simples répétitions pour les représentations fréquentes devant la reine, mais si ces dernières accordaient du prestige, les premières étaient la véritable source de revenus des joueurs professionnels.

Avec l'économie de la profession, le caractère du drame a changé vers la fin de la période. Sous Elizabeth, le drame était une expression unifiée en ce qui concerne la classe sociale : la Cour regardait les mêmes pièces que les roturiers voyaient dans les théâtres publics. Avec le développement des théâtres privés, le théâtre s'est davantage orienté vers les goûts et les valeurs d'un public de classe supérieure. Vers la fin du règne de Charles Ier, peu de nouvelles pièces étaient écrites pour les théâtres publics, qui se nourrissaient des œuvres accumulées des décennies précédentes. [46]

L'opposition puritaine à la scène (informée par les arguments des premiers Pères de l'Église qui avaient écrit des chapes contre les divertissements décadents et violents des Romains) soutenait non seulement que la scène en général était païenne, mais que toute pièce représentant une figure religieuse était intrinsèquement idolâtre. En 1642, au début de la guerre civile anglaise, les autorités puritaines ont interdit la représentation de toutes les pièces de théâtre dans les limites de la ville de Londres. Un vaste assaut contre les prétendues immoralités du théâtre écrasa tout ce qui restait en Angleterre de la tradition dramatique.

Théâtre espagnol de l'âge d'or Modifier

Au cours de son âge d'or, à peu près de 1590 à 1681, [47] l'Espagne a vu une augmentation monumentale de la production de théâtre en direct ainsi que de l'importance du théâtre au sein de la société espagnole. C'était une forme d'art accessible à tous les participants de la Renaissance espagnole, étant à la fois fortement parrainée par la classe aristocratique et très fréquentée par les classes inférieures. [48] ​​Le volume et la variété des pièces espagnoles pendant l'âge d'or étaient sans précédent dans l'histoire du théâtre mondial, dépassant, par exemple, la production dramatique de la Renaissance anglaise par un facteur d'au moins quatre. [47] [48] [49] Bien que ce volume ait été autant une source de critiques que d'éloges pour le théâtre espagnol de l'âge d'or, pour avoir mis l'accent sur la quantité avant la qualité, [50] un grand nombre des 10 000 [48] à 30 000 [50 ] les pièces de cette période sont encore considérées comme des chefs-d'œuvre. [51] [52]

Les principaux artistes de l'époque comprenaient Lope de Vega, un contemporain de Shakespeare, souvent et contemporain, vu son parallèle pour la scène espagnole, [53] et Calderon de la Barca, inventeur de la zarzuela [54] et le successeur de Lope comme le prééminent dramaturge espagnol. [55] Gil Vicente, Lope de Rueda et Juan del Encina ont aidé à établir les fondations du théâtre espagnol au milieu du XVIe siècle, [56] [57] [58] tandis que Francisco de Rojas Zorrilla et Tirso de Molina ont apporté des contributions importantes dans la seconde moitié de l'âge d'or. [59] [60] Les interprètes importants ont inclus Lope de Rueda (auparavant mentionné parmi les dramaturges) et plus tard Juan Rana. [61] [62]

Les sources d'influence du théâtre national émergent d'Espagne étaient aussi diverses que le théâtre que cette nation a fini par produire. Les traditions de narration originaires de la Commedia dell'arte italienne [63] et l'expression typiquement espagnole des divertissements de ménestrels itinérants d'Europe occidentale [64] [65] ont contribué à une influence populiste sur les récits et la musique, respectivement, du premier théâtre espagnol. La critique néo-aristotélicienne et les drames liturgiques, d'autre part, ont apporté des perspectives littéraires et moralistes. [66] [67] À son tour, le théâtre espagnol d'âge d'or a considérablement influencé le théâtre des générations ultérieures en Europe et dans le monde entier. Le théâtre espagnol a eu un impact immédiat et significatif sur les développements contemporains du théâtre anglais de la Renaissance. [51] Il a également eu un impact durable sur le théâtre dans tout le monde de langue espagnole. [68] De plus, un nombre croissant d'œuvres sont traduites, augmentant la portée du théâtre espagnol de l'Âge d'or et renforçant sa réputation parmi les critiques et les mécènes du théâtre. [69]

Théâtre classique français Modifier

Comédie de restauration Modifier

Après que les représentations publiques sur scène aient été interdites pendant 18 ans par le régime puritain, la réouverture des théâtres en 1660 a marqué une renaissance du drame anglais. Avec la restauration du monarque en 1660 vint la restauration et la réouverture du théâtre. Les comédies anglaises écrites et jouées pendant la période de la Restauration de 1660 à 1710 sont collectivement appelées « Comédie de la Restauration ». La comédie de restauration est connue pour son caractère sexuel explicite, une qualité encouragée par Charles II (1660-1685) personnellement et par l'ethos aristocratique racé de sa cour. Pour la première fois, les femmes ont été autorisées à jouer, mettant fin à la pratique du garçon-joueur prenant le rôle des femmes. Les publics socialement diversifiés comprenaient à la fois des aristocrates, leurs serviteurs et leurs serviteurs, et un segment substantiel de la classe moyenne. Les audiences de la Restauration aimaient voir le bon triomphe de leurs tragédies et le gouvernement légitime restauré. Dans la comédie, ils aimaient voir la vie amoureuse des jeunes gens à la mode, avec un couple central qui menait à bien leur parade nuptiale (surmontant souvent l'opposition des aînés pour le faire). Les héroïnes devaient être chastes, mais étaient indépendantes et franches maintenant qu'elles étaient jouées par des femmes, le dramaturge avait plus de facilité à les déguiser en vêtements d'hommes ou à leur permettre d'échapper de justesse au viol. Ces amateurs de théâtre ont été attirés par les comédies par une écriture d'actualité à la minute près, par des intrigues bondées et animées, par l'introduction des premières actrices professionnelles et par la montée en puissance des premiers acteurs célèbres. Pour les non-amateurs de théâtre, ces comédies étaient largement considérées comme licencieuses et moralement suspectes, brandissant pour l'admiration les singeries d'une petite classe privilégiée et décadente. Cette même classe dominait le public du théâtre de la Restauration. Cette période a vu la première femme dramaturge professionnelle, Aphra Behn.

En réaction à la décadence des productions de l'époque de Charles II, la comédie sentimentale gagne en popularité. Ce genre visait à encourager un comportement vertueux en montrant des personnages de la classe moyenne surmontant une série d'épreuves morales. Des dramaturges comme Colley Cibber et Richard Steele croyaient que les humains étaient intrinsèquement bons mais capables d'être égarés. À travers des pièces telles que The Conscious Lovers et Love's Last Shift, ils se sont efforcés de faire appel aux nobles sentiments du public afin que les téléspectateurs puissent être réformés. [70] [71]

Restauration spectaculaire Modifier

Les Restauration spectaculaire, ou « jeu de machine » minutieusement mis en scène, a frappé la scène publique londonienne à la fin de la période de restauration du XVIIe siècle, captivant le public avec de l'action, de la musique, de la danse, des décors mobiles, des peintures illusionnistes baroques, des costumes magnifiques et des effets spéciaux tels que des tours de trappe, acteurs "volants", et feux d'artifice. Ces émissions ont toujours eu une mauvaise réputation en tant que menace vulgaire et commerciale pour le drame spirituel et "légitime" de la Restauration, cependant, elles ont attiré des Londoniens en nombre sans précédent et les ont laissés éblouis et ravis.

Essentiellement du cru et avec des racines dans le masque de cour du début du 17ème siècle, bien que n'ayant jamais honte d'emprunter des idées et la technologie scénique de l'opéra français, les spectacles sont parfois appelés « opéra anglais ». Cependant, leur variété est si désordonnée que la plupart des historiens du théâtre désespèrent de les définir comme un genre. [72] Seule une poignée d'œuvres de cette période se voit généralement attribuer le terme « opéra », car la dimension musicale de la plupart d'entre elles est subordonnée au visuel. C'est le spectacle et les décors qui ont attiré les foules, comme en témoignent de nombreux commentaires dans le journal de l'amateur de théâtre Samuel Pepys. [73] La dépense de monter des productions scéniques toujours plus élaborées a conduit les deux compagnies de théâtre concurrentes dans une spirale dangereuse de dépenses énormes et en conséquence d'énormes pertes ou profits. Un fiasco comme celui de John Dryden Albion et Albanius laisserait une entreprise lourdement endettée, tandis que des superproductions comme celle de Thomas Shadwell Psyché ou Dryden roi Arthur le mettrait confortablement dans le noir pendant longtemps. [74]

Théâtre néoclassique Modifier

Le néoclassicisme était la forme dominante du théâtre au XVIIIe siècle. Elle exigeait un décorum et une adhésion rigoureuse aux unités classiques. Le théâtre néoclassique ainsi que l'époque se caractérisent par sa grandeur. Les costumes et les décors étaient complexes et élaborés. Le jeu d'acteur est caractérisé par de grands gestes et un mélodrame. Le théâtre néoclassique englobe les âges de la Restauration, d'Auguste et de Johnstin. En un sens, l'âge néo-classique suit directement l'époque de la Renaissance.

Théâtres du début du XVIIIe siècle - les farces sexuelles de la Restauration ont été remplacées par des comédies politiquement satiriques, 1737 Le Parlement a adopté le Stage Licensing Act qui a introduit la censure de l'État sur les représentations publiques et a limité le nombre de théâtres à Londres à deux.

Théâtre du XIXe siècle Modifier

Le théâtre au XIXe siècle est divisé en deux parties : précoce et tardive. La première période a été dominée par le mélodrame et le romantisme.

À partir de la France, le mélodrame est devenu la forme théâtrale la plus populaire. August von Kotzebue Misanthropie et repentance (1789) est souvent considérée comme la première pièce mélodramatique. Les pièces de Kotzebue et René Charles Guilbert de Pixérécourt font du mélodrame la forme dramatique dominante du début du XIXe siècle. [75]

En Allemagne, il y avait une tendance à la précision historique dans les costumes et les décors, une révolution dans l'architecture du théâtre et l'introduction de la forme théâtrale du romantisme allemand. Influencés par les tendances de la philosophie et des arts visuels du XIXe siècle, les écrivains allemands étaient de plus en plus fascinés par leur passé teutonique et avaient un sens croissant du nationalisme. Les pièces de Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller et d'autres Sturm und Drang les dramaturges ont inspiré une foi croissante dans le sentiment et l'instinct comme guides du comportement moral.

En Grande-Bretagne, Percy Bysshe Shelley et Lord Byron étaient les dramaturges les plus importants de leur temps, bien que les pièces de Shelley n'aient été jouées que plus tard dans le siècle. Dans les théâtres mineurs, la burletta et le mélodrame étaient les plus populaires. Les pièces de Kotzebue ont été traduites en anglais et celles de Thomas Holcroft Une histoire de mystère fut le premier de nombreux mélodrames anglais. Pierce Egan, Douglas William Jerrold, Edward Fitzball et John Baldwin Buckstone ont lancé une tendance vers des histoires plus contemporaines et rurales de préférence aux mélodrames historiques ou fantastiques habituels. James Sheridan Knowles et Edward Bulwer-Lytton ont établi un drame « gentleman » qui a commencé à rétablir l'ancien prestige du théâtre auprès de l'aristocratie. [76]

La dernière période du 19ème siècle a vu la montée de deux types de drames contradictoires : le réalisme et le non-réalisme, comme le symbolisme et les précurseurs de l'expressionnisme.

Le réalisme a commencé plus tôt au XIXe siècle en Russie qu'ailleurs en Europe et a pris une forme plus intransigeante. [77] En commençant par les pièces d'Ivan Tourgueniev (qui utilisait des « détails domestiques pour révéler l'agitation intérieure »), Aleksandr Ostrovsky (qui fut le premier dramaturge professionnel de Russie), Aleksey Pisemsky (dont Un sort amer (1859) a anticipé le Naturalisme), et Léon Tolstoï (dont Le pouvoir des ténèbres (1886) est « l'une des pièces naturalistes les plus efficaces »), une tradition de réalisme psychologique en Russie culminant avec la création du Théâtre d'art de Moscou par Konstantin Stanislavski et Vladimir Nemirovich-Danchenko. [78]

La force théâtrale la plus importante de l'Allemagne de la fin du XIXe siècle était celle de Georg II, duc de Saxe-Meiningen et de son Meiningen Ensemble, sous la direction de Ludwig Chronegk. Les productions de l'Ensemble sont souvent considérées comme les plus exactes du XIXe siècle sur le plan historique, bien que son objectif principal était de servir les intérêts du dramaturge. L'Ensemble Meiningen se situe au début du nouveau mouvement vers une production unifiée (ou ce que Richard Wagner appellerait le Gesamtkunstwerk) et la montée du metteur en scène (aux dépens de l'acteur) en tant qu'artiste dominant dans la création théâtrale. [79]

Le naturalisme, mouvement théâtral né de l'œuvre de Charles Darwin L'origine des espèces (1859) et les conditions politiques et économiques contemporaines, trouve son principal promoteur en Émile Zola. La réalisation des idées de Zola a été entravée par un manque de dramaturges capables d'écrire des drames naturalistes. André Antoine a émergé dans les années 1880 avec son Théâtre Libre qui n'était ouvert qu'aux membres et était donc exempt de censure. Il obtint rapidement l'approbation de Zola et commença à mettre en scène des œuvres naturalistes et d'autres pièces réalistes étrangères. [80]

En Grande-Bretagne, les mélodrames, les comédies légères, les opéras, Shakespeare et le drame anglais classique, le burlesque victorien, les pantomimes, les traductions de farces françaises et, à partir des années 1860, les opérettes françaises, ont continué à être populaires. Les opéras comiques de Gilbert et Sullivan, tels que H.M.S. Tablier (1878) et Le Mikado (1885), qu'ils élargissent considérablement le public du théâtre musical. [81] Ceci, ainsi que l'éclairage public et les transports beaucoup améliorés à Londres et à New York, ont conduit à un boom de la construction de théâtres à la fin de l'époque victorienne et édouardienne dans le West End et à Broadway. Plus tard, le travail d'Henry Arthur Jones et d'Arthur Wing Pinero initia une nouvelle direction sur la scène anglaise.

Alors que leur travail a ouvert la voie, le développement d'un drame plus important se doit surtout au dramaturge Henrik Ibsen. Ibsen est né en Norvège en 1828. Il a écrit vingt-cinq pièces dont les plus célèbres sont Une maison de poupée (1879), Des fantômes (1881), Le Canard Sauvage (1884), et Hedda Gabler (1890). De plus, ses œuvres Rosmersholm (1886) et Quand nous nous réveillons morts (1899) évoquent un sentiment de forces mystérieuses à l'œuvre dans le destin humain, qui devait être un thème majeur du symbolisme et du soi-disant « Théâtre de l'Absurde ». [ citation requise ]

Après Ibsen, le théâtre britannique a connu une revitalisation avec les œuvres de George Bernard Shaw, Oscar Wilde, John Galsworthy, William Butler Yeats et Harley Granville Barker. Contrairement à la plupart des œuvres sombres et intensément sérieuses de leurs contemporains, Shaw et Wilde ont écrit principalement sous la forme comique. Les comédies musicales édouardiennes étaient extrêmement populaires, faisant appel aux goûts de la classe moyenne dans les années 90 gaies [82] et répondant à la préférence du public pour le divertissement d'évasion pendant la Première Guerre mondiale.

Théâtre du XXe siècle Modifier

Alors qu'une grande partie du théâtre du XXe siècle a poursuivi et étendu les projets du réalisme et du naturalisme, il y avait aussi beaucoup de théâtre expérimental qui a rejeté ces conventions. Ces expériences font partie des mouvements modernistes et postmodernistes et incluent des formes de théâtre politique ainsi que des travaux plus esthétiques. Les exemples incluent : le théâtre épique, le théâtre de la cruauté et le soi-disant « théâtre de l'absurde ».

Le terme praticien du théâtre a fini par être utilisé pour décrire quelqu'un qui à la fois crée des performances théâtrales et produit un discours théorique qui informe son travail pratique. [83] Un praticien du théâtre peut être un metteur en scène, un dramaturge, un acteur ou, de manière caractéristique, souvent une combinaison de ces rôles traditionnellement séparés. La « pratique théâtrale » décrit le travail collectif que font divers praticiens du théâtre. [84] Il est utilisé pour décrire la pratique théâtrale depuis le développement de son « système » par Konstantin Stanislavski, en passant par la biomécanique de Vsevolod Meyerhold, l'épopée de Bertolt Brecht et le mauvais théâtre de Jerzy Grotowski, jusqu'à nos jours, avec des praticiens du théâtre contemporains dont Augusto Boal avec son Théâtre des Opprimés, le théâtre populaire de Dario Fo, l'anthropologie théâtrale d'Eugenio Barba et les points de vue d'Anne Bogart. [85]

Un certain nombre de mouvements esthétiques se sont poursuivis ou ont émergé au 20e siècle, notamment :

Après la grande popularité des comédies musicales édouardiennes britanniques, le théâtre musical américain en vint à dominer la scène musicale, à commencer par les comédies musicales Princess Theatre, suivies des œuvres des frères Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern, Rodgers et Hart, et plus tard Rodgers et Hammerstein.

1752 à 1895 Romantisme Modifier

Tout au long de la majeure partie de l'histoire, les belles lettres anglaises et le théâtre ont été séparés, mais ces deux formes d'art sont interconnectées. [86] Cependant, s'ils n'apprennent pas à travailler main dans la main, cela peut être préjudiciable à la forme d'art. [87] La ​​prose de la littérature anglaise et les histoires qu'elle raconte doivent être interprétées et le théâtre a cette capacité. [88] Dès le début, le théâtre américain a été unique et diversifié, reflétant la société alors que l'Amérique poursuivait son identité nationale. [89] La toute première pièce jouée, en 1752 à Williamsburg en Virginie, était "Le Marchand de Venise" de Shakespeare. [90] En raison d'une société chrétienne forte, le théâtre a été interdit de 1774 à 1789. [91] Cette norme sociétale était due au fait que la Bible était sacrée et que tout autre divertissement (divertissement) était considéré comme inapproprié, frivole (sans but) et sensuel (agréable). [92] Pendant l'interdiction, le théâtre s'est souvent caché en s'intitulant comme des conférences morales. [93] Le théâtre a fait une brève pause à cause de la guerre révolutionnaire, mais a rapidement repris après la fin de la guerre en 1781. [91] Le théâtre a commencé à se répandre vers l'ouest et souvent les villes avaient des théâtres avant d'avoir des trottoirs ou des égouts. [94] Il y avait plusieurs compagnies de théâtre professionnelles de premier plan au début, mais l'une des plus influentes était à Philadelphie (1794-1815) cependant, la compagnie avait des racines fragiles à cause de l'interdiction du théâtre. [91]

À mesure que le pays s'étendait, le théâtre s'est développé après la guerre de 1812, le théâtre s'est dirigé vers l'ouest. [91] Beaucoup de nouveaux théâtres étaient gérés par la communauté, mais à la Nouvelle-Orléans, un théâtre professionnel avait été lancé par les Français en 1791. [91] Plusieurs troupes se sont séparées et ont établi un théâtre à Cincinnati, Ohio. [91] Le premier théâtre ouest officiel est venu en 1815 lorsque Samuel Drake (1769-1854) a emmené sa compagnie de théâtre professionnelle d'Albany à Pittsburgh jusqu'à la rivière Ohio et au Kentucky. [91] Parallèlement à ce circuit, il emmenait parfois la troupe à Lexington, Louisville et Frankfort. [91] Parfois, il conduirait la troupe à Ohio, Indiana, Tennessee et Missouri. [91] Tandis qu'il y avait des troupes d'équitation de circuit, les communautés de théâtre plus permanentes à l'ouest s'asseyaient souvent sur des fleuves ainsi il y aurait un accès facile de bateau. [91] Au cours de cette période, très peu de théâtres étaient au-dessus de la rivière Ohio, et en fait Chicago n'avait pas de théâtre permanent jusqu'en 1833. [91] En raison des temps turbulents en Amérique et de la crise économique due aux guerres, le théâtre pendant sa période la plus expansive, a connu la faillite et le changement de direction. [91] Aussi la plupart des premiers théâtres américains ont eu une grande influence européenne parce que beaucoup d'acteurs étaient nés et formés en anglais. [91] Entre 1800 et 1850, la philosophie néoclassique mourut presque complètement sous le romantisme qui était une grande influence du théâtre américain du 19ème siècle qui idolâtrait le "noble sauvage". [91] En raison de nouvelles découvertes psychologiques et de nouvelles méthodes d'acteur, le romantisme finira par donner naissance au réalisme. [91] Cette tendance au réalisme s'est produite entre 1870 et 1895. [91]

1895 à 1945 Réalisme Modifier

En cette ère du théâtre, le héros moral passe à l'homme moderne qui est le produit de son environnement. [95] Ce changement majeur est dû en partie à la guerre civile parce que l'Amérique était maintenant tachée de son propre sang, ayant perdu son innocence. [96]

1945 à 1990 Modernisme Modifier

Pendant cette période du théâtre, Hollywood émerge et menace le théâtre américain. [97] Cependant le théâtre pendant ce temps n'a pas décliné mais en fait était renommé et remarqué dans le monde entier. [97]

Théâtre nord-africain Modifier

Évènements quasi théâtraux de l'Égypte ancienne Modifier

Le premier événement quasi théâtral enregistré remonte à 2000 av. L'histoire du dieu Osiris était jouée chaque année lors de festivals à travers la civilisation. [98]

Théâtre d'Afrique de l'Ouest Modifier

Théâtre ghanéen Modifier

Le théâtre moderne au Ghana a émergé au début du 20e siècle. [99] Il est apparu d'abord comme commentaire littéraire sur la colonisation de l'Afrique par l'Europe. [99] Parmi les premiers travaux dans lesquels cela peut être vu est Les Clignotants écrit par Kobina Sekyi en 1915. Les Clignotants est une satire flagrante des Africains qui ont embrassé la culture européenne qui leur a été apportée. Dans ce document, Sekyi rabaisse trois groupes d'individus : tout Européen, celui qui imite les Européens et le riche producteur de cacao africain. Cette rébellion soudaine n'était cependant que l'étincelle de départ du théâtre littéraire ghanéen. [99]

Une pièce qui a une similitude dans sa vision satirique est Anowa. Écrit par l'auteur ghanéen Ama Ata Aidoo, il commence par son héroïne éponyme Anowa rejetant les demandes en mariage de ses nombreux prétendants arrangés. Elle insiste pour prendre ses propres décisions quant à qui elle va se marier. La pièce insiste sur la nécessité de l'égalité des sexes et du respect des femmes. [99] Cet idéal d'indépendance, ainsi que d'égalité conduit Anowa sur un chemin sinueux de bonheur et de misère. Anowa choisit un homme pour se marier. Anowa soutient son mari Kofi à la fois physiquement et émotionnellement. Grâce à son soutien, Kofi prospère dans la richesse, mais devient pauvre en tant qu'être spirituel. Par son accumulation de richesse, Kofi s'y perd. Son mariage autrefois heureux avec Anowa change lorsqu'il commence à embaucher des esclaves plutôt que de faire le moindre travail lui-même. Cela n'a pas de sens pour Anowa car cela ne rend pas Kofi meilleur que les colons européens qu'elle déteste pour la façon dont elle pense qu'ils ont utilisé le peuple africain. Leur mariage est sans enfant, ce qui est présumé avoir été causé par un rituel que Kofi a fait en échangeant sa virilité contre de la richesse. La vision d'Anowa sur la richesse acquise par les esclaves de Kofi et son incapacité à avoir un enfant la conduit à se suicider. [99] Le nom Anowa signifie "Force morale supérieure" tandis que celui de Kofi signifie seulement "Né vendredi". Cette différence même dans la base de leurs noms semble impliquer la supériorité morale des femmes dans une société dirigée par les hommes. [99]

Un autre jeu d'importance est Le mariage d'Anansewa, écrit en 1975 par Efua Sutherland. Toute la pièce est basée sur une tradition orale Akan appelée Anansesem (contes populaires). Le personnage principal de la pièce est Ananse (l'araignée). Les qualités d'Ananse sont l'une des parties les plus répandues de la pièce. Ananse est rusé, égoïste, a une grande perspicacité dans la nature humaine et animale, est ambitieux, éloquent et plein de ressources. En mettant trop de lui-même dans tout ce qu'il fait, Ananse ruine chacun de ses projets et finit pauvre. [99] Ananse est utilisé dans la pièce comme une sorte d'Everyman. Il est écrit dans un sens exagéré afin de forcer le processus d'auto-examen. Ananse est utilisé comme un moyen de déclencher une conversation pour le changement dans la société de quiconque lit. La pièce raconte qu'Ananse a tenté de marier sa fille Anansewa à l'un des chefs riches, ou à une autre sorte de prétendant riche simultanément, afin de collecter des fonds. Finalement, tous les prétendants viennent chez lui en même temps, et il doit utiliser toute sa ruse pour désamorcer la situation. [99] Le conteur non seulement raconte, mais aussi agit, réagit et commente l'action du conte. Parallèlement à cela, Mbuguous est utilisé, Mbuguous est le nom donné à une secte très spécialisée de la technique théâtrale ghanéenne qui permet la participation du public. Les Mbugous de ce conte sont des chansons qui embellissent le conte ou le commentent. La spontanéité à travers cette technique ainsi que l'improvisation sont suffisamment utilisées pour répondre à n'importe quel standard du théâtre moderne. [99]

Théâtre Yoruba Modifier

Dans son étude pionnière du théâtre yoruba, Joel Adedeji a fait remonter ses origines à la mascarade de l'Egungun (le « culte de l'ancêtre »). [100] La cérémonie traditionnelle culmine dans l'essence de la mascarade où l'on considère que les ancêtres retournent dans le monde des vivants pour rendre visite à leurs descendants. [101] En plus de son origine rituelle, le théâtre yoruba peut être « retracé à la nature « théâtre » d'un certain nombre de divinités du panthéon yoruba, telles que Obatala la divinité arch, Ogun la divinité de la créativité, ainsi que Fer et technologie, [102] et Sango la divinité de la tempête », dont la vénération est imprégnée « de drame et de théâtre et de la pertinence globale symbolique en termes de son interprétation relative ». [103]

La tradition théâtrale Aláàrìnjó est née de la mascarade d'Egungun au XVIe siècle. L'Aláàrìnjó était une troupe d'artistes itinérants dont les formes masquées portaient un air mystique. Ils ont créé de courtes scènes satiriques qui se sont inspirées d'un certain nombre de personnages stéréotypés établis. Leurs performances utilisaient le mime, la musique et l'acrobatie. La tradition Aláàrìnjó a influencé le théâtre ambulant populaire, qui était la forme de théâtre la plus répandue et la plus développée au Nigeria des années 1950 aux années 1980. Dans les années 1990, le théâtre ambulant populaire est passé à la télévision et au cinéma et ne donne plus que rarement des représentations en direct. [104] [105]

Le « théâtre total » s'est également développé au Nigeria dans les années 1950. Il utilisait des techniques non naturalistes, une imagerie physique surréaliste et exerçait une utilisation flexible du langage. Les dramaturges écrivant au milieu des années 1970 ont utilisé certaines de ces techniques, mais les ont articulées avec « une appréciation radicale des problèmes de société ». [106]

Les modes de représentation traditionnels ont fortement influencé les grandes figures du théâtre nigérian contemporain. L'œuvre d'Hubert Ogunde (parfois appelé le « père du théâtre yoruba contemporain ») s'inspire de la tradition Aláàrìnjó et des mascarades d'Egungun. [107] Wole Soyinka, qui est "généralement reconnu comme le plus grand dramaturge vivant d'Afrique", donne à la divinité Ogun une signification métaphysique complexe dans son œuvre. [108] Dans son essai « La quatrième étape » (1973), [109] Soyinka oppose le drame yoruba au drame athénien classique, se rapportant à la fois à l'analyse de ce dernier par le philosophe allemand du XIXe siècle Friedrich Nietzsche dans La naissance de la tragédie (1872). Ogun, soutient-il, est « une totalité des vertus dionysiaques, apolliniennes et prométhéennes ». [110]

Les partisans du théâtre itinérant au Nigeria incluent Duro Ladipo et Moses Olaiya (un acte comique populaire). Ces praticiens ont beaucoup contribué au domaine du théâtre africain pendant la période de métissage et d'expérimentation des indigènes avec le théâtre occidental.

Théâtre de la diaspora africaine Modifier

Théâtre afro-américain Modifier

L'histoire du théâtre afro-américain a une double origine. Le premier est enraciné dans le théâtre local où les Afro-Américains se sont produits dans des cabanes et des parcs. Leurs performances (contes, chansons, musique et danse) étaient ancrées dans la culture africaine avant d'être influencées par l'environnement américain. African Grove Theatre a été le premier théâtre afro-américain créé en 1821 par William Henry Brown ISBN 0521465850


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Contenu

L'origine du mot « tangram » n'est pas claire. Une conjecture soutient qu'il s'agit d'un composé de l'élément grec "-gramme" dérivé de ?? ("caractère écrit, lettre, ce qui est dessiné") avec l'élément "tan-" étant diversement conjecturé comme étant chinois bronzer 'étendre' ou cantonais soie 'Chinois'. [4] Alternativement, le mot peut être dérivé de l'anglais archaïque « tangram » signifiant « une chose étrange et complexe ». [5]

Dans les deux cas, on pense que la première utilisation connue du mot se trouve dans le livre de 1848 Puzzle géométrique pour les jeunes par le mathématicien et futur président de l'Université Harvard, Thomas Hill, qui a probablement inventé le terme dans le même ouvrage. Hill a vigoureusement promu le mot dans de nombreux articles préconisant l'utilisation du puzzle dans l'éducation et en 1864, il a reçu une reconnaissance officielle en anglais lorsqu'il a été inclus dans le livre de Noah Webster. Dictionnaire américain. [6]

Origines Modifier

Les premières années de tentative de datation du Tangram ont été confuses par l'histoire populaire mais frauduleusement écrite par le célèbre fabricant de puzzles Samuel Loyd dans son 1908 Le huitième livre de Tan. Cet ouvrage contient de nombreuses caractéristiques fantaisistes qui ont suscité à la fois intérêt et suspicion parmi les érudits contemporains qui ont tenté de vérifier le récit. En 1910, il était clair qu'il s'agissait d'un canular. Une lettre datée de cette année de l'éditeur du dictionnaire Oxford Sir James Murray au nom d'un certain nombre d'érudits chinois à l'éminent casse-tête Henry Dudeney dit "Le résultat a été de montrer que l'homme Tan, le dieu Tan et le livre de Tan sont totalement inconnus de la littérature, de l'histoire ou de la tradition chinoises." [5] Avec ses nombreux détails étranges Le huitième livre de Tan date de création du puzzle de 4000 ans dans l'antiquité devait être considérée comme entièrement infondée et fausse.

L'inventeur chinois historique du Tangram est inconnu, sauf sous le nom de plume Yang-cho-chu-shih (reclus à l'esprit faible). On pense que le puzzle a été introduit à l'origine dans un livre intitulé Ch'i chi'iao t'u qui était déjà signalé comme perdu en 1815 par Shan-chiao dans son livre Les nouvelles figures du Tangram. Néanmoins, il est généralement admis que les origines du puzzle auraient eu lieu environ 20 ans plus tôt que cela. [7]

Malgré sa création relativement récente, il existe une tradition beaucoup plus ancienne de divertissements de dissection en Chine qui a probablement joué un rôle dans son inspiration. En particulier, les tables de banquet modulaires de la dynastie Song ressemblent étrangement aux pièces de jeu du Tangram et il y avait des livres dédiés à les arranger pour former des motifs agréables. [8]

L'éminent mathématicien du IIIe siècle Liu Hui a utilisé des preuves de construction dans ses œuvres et certaines ont une ressemblance frappante avec les tables de banquet développées par la suite qui semblent à leur tour anticiper le Tangram. Bien qu'il n'y ait aucune raison de soupçonner que des tangrams aient été utilisés dans la preuve du théorème de Pythagore, comme cela est parfois rapporté, il est probable que ce style de raisonnement géométrique ait exercé une influence sur la vie culturelle chinoise qui a conduit directement au puzzle. [9]

Atteindre le monde occidental (1815-1820) Modifier

Le premier tangram existant a été donné au magnat du transport maritime et membre du Congrès de Philadelphie, Francis Waln en 1802, mais ce n'est que plus d'une décennie plus tard que le public occidental, dans son ensemble, serait exposé au puzzle. [1] En 1815, le capitaine américain M. Donnaldson a reçu une paire de livres de l'auteur Sang-Hsia-koi sur le sujet (un livre de problèmes et un livre de solutions) lorsque son navire, Commerçant amarré là-bas. Ils ont ensuite été amenés avec le navire à Philadelphie, en février 1816. Le premier livre de tangram à être publié en Amérique était basé sur la paire apportée par Donnaldson. [dix]

Le puzzle a finalement atteint l'Angleterre, où il est devenu très à la mode. L'engouement s'est rapidement propagé à d'autres pays européens. Cela était principalement dû à une paire de livres de tangram britanniques, Le puzzle chinois à la mode, et le livre de solutions qui l'accompagne, Clé. [11] Bientôt, les ensembles de tangram ont été exportés en grand nombre de Chine, faits de divers matériaux, du verre au bois, en passant par l'écaille de tortue. [12]

Beaucoup de ces ensembles de tangram inhabituels et exquis se sont rendus au Danemark. L'intérêt danois pour les tangrams monta en flèche vers 1818, lorsque deux livres sur le puzzle furent publiés, avec beaucoup d'enthousiasme. [13] Le premier d'entre eux était Mandarin (À propos du jeu chinois). Ceci a été écrit par un étudiant de l'Université de Copenhague, qui était un ouvrage non fictif sur l'histoire et la popularité des tangrams. La deuxième, Det nye chinesiske Gaadespil (Le nouveau jeu de puzzle chinois), composé de 339 puzzles copiés de Le huitième livre de Tan, ainsi qu'un original. [13]

L'un des facteurs qui ont contribué à la popularité du jeu en Europe était que, bien que l'Église catholique interdise de nombreuses formes de récréation le jour du sabbat, elle ne s'oppose pas aux jeux de réflexion tels que le tangram. [14]

Deuxième engouement en Allemagne (1891-1920) Modifier

Les tangrams ont été présentés pour la première fois au public allemand par l'industriel Friedrich Adolf Richter vers 1891. [15] Les décors étaient en pierre ou en fausse faïence, [16] et commercialisés sous le nom de "The Anchor Puzzle". [15]

Plus internationalement, la Première Guerre mondiale a vu un grand regain d'intérêt pour les tangrams, sur le front intérieur et les tranchées des deux côtés. Pendant ce temps, il a parfois été sous le nom de « The Sphinx », un titre alternatif pour les ensembles « Anchor Puzzle ». [17] [18]

Un paradoxe du tangram est un sophisme de dissection : deux figures composées du même ensemble de pièces, dont l'une semble être un sous-ensemble approprié de l'autre. [19] Un paradoxe célèbre est celui des deux moines, attribué à Dudeney, qui se compose de deux formes similaires, l'une avec et l'autre sans pied. [20] En réalité, la zone du pied est compensée dans la deuxième figure par un corps subtilement plus grand. Un autre paradoxe du tangram est proposé par Sam Loyd dans Le 8ème livre de Tan: [21]

Les septième et huitième figures représentent le carré mystérieux, construit avec sept pièces : puis avec un coin coupé, et toujours les mêmes sept pièces employées. [22]

Le paradoxe des deux moines – deux formes similaires mais il manque un pied à l'une :

Le paradoxe du tangram Magic Dice Cup - du livre de Sam Loyd Le 8ème livre de Tan (1903). [21] Chacune de ces tasses a été composée en utilisant les mêmes sept formes géométriques. Mais la première coupe est entière, et les autres contiennent des vides de différentes tailles. (Remarquez que celui de gauche est légèrement plus court que les deux autres. Celui du milieu est légèrement plus large que celui de droite, et celui de gauche est encore plus étroit.) [23]

Paradoxe du tangram carré coupé - du livre de Loyd Le huitième livre de Tan [21] (1903):

Plus de 6500 problèmes de tangram différents ont été créés à partir de textes du 19ème siècle uniquement, et le nombre actuel ne cesse de croître. [24] Fu Traing Wang et Chuan-Chin Hsiung ont prouvé en 1942 qu'il n'y a que treize configurations de tangram convexes (le segment de configuration dessiné entre deux points quelconques sur le bord de la configuration passe toujours par l'intérieur de la configuration, c'est-à-dire les configurations sans évidement dans le contour ). [25] [26]

En choisissant une unité de mesure pour que les sept pièces puissent être assemblées pour former un carré de côté une unité et ayant une aire d'une unité carrée, les sept pièces sont : [27]

  • 2 grands triangles rectangles (hypoténuse 1, côtés √ 2 / 2 , aire
  • 1 / 4 )
  • 1 triangle rectangle moyen (hypoténuse
  • 2 / 2 , côtés
  • 1 / 2 , superficie
  • 1 / 8 )
  • 2 petits triangles rectangles (hypoténuse
  • 1 / 2 , côtés
  • 2 / 4 , superficie
  • 1 / 16 )
  • 1 carré (côtés
  • 2 / 4 , superficie
  • 1 / 8 )
  • 1 parallélogramme (côtés de
  • 1/2 et
  • 2 / 4 , hauteur de
  • 1 / 4 , superficie
  • 1 / 8 )

De ces sept pièces, le parallélogramme est unique en ce qu'il n'a pas de symétrie de réflexion mais seulement une symétrie de rotation, et donc son image miroir ne peut être obtenue qu'en le retournant. Ainsi, c'est la seule pièce qui peut avoir besoin d'être retournée lors de la formation de certaines formes.


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Casse-tête en bois Stave.

Pourquoi des centaines de personnes me considèrent-elles comme leur Et pourquoi suis-je si désireux d'apprendre leur misère et d'entendre leurs gémissements de frustration ? Je suis Steve Richardson, alias The Chief Tormentor. Depuis 1974, mes cohortes et moi avons été les cerveaux derrière les plus beau, plus inventif, et sans aucun doute, la plupart difficile puzzles que l'on trouve dans le monde d'aujourd'hui, les fameux puzzles Stave.

Notre dévouement à la fabrication de puzzles a transformé l'idée du puzzle d'une simple diversion en une forme d'art hautement expressive, divertissante et exaspérante. Partout dans les maisons, les puzzles Stave sont collecté et chéri comme unique et précieux héritages. Et en cours de route, nous avons développé de nombreuses relations étroites avec les personnes qui partagent notre obsession. Des personnes qui ont vécu la lutte et la satisfaction de terminer des puzzles si beaux et stimulants qu'ils ont hâte de commencer le prochain ! Les des puzzles Stave inspirent des lettres, des appels, des cadeaux, des pots-de-vin et des farces bien au-delà de ce que vous attendez d'une entreprise normale.


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