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Contraposto

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Une brève explication du terme « contrapposto » comparant deux anciennes sculptures grecques : le Kouros de New York et une copie du Doryphoros (ou Spear Bearer) de Polykleitos.

Conférenciers : Dr Steven Zucker et Dr Beth Harris


Les Grecs de l'Antiquité ont inventé la position Contrapposto au début du Ve siècle av. Elle est apparue comme une alternative aux sculptures grecques de Kouros, où les personnages sont vus de face avec un poids égal sur les deux jambes et un pied légèrement devant l'autre, qui avait une qualité rigide et rigide. L'un des premiers exemples de la pose Contrapposto peut être vu dans l'ancienne sculpture grecque de Dosyphoros (porteur de lance), fait vers 450-440 avant JC, qui a révélé comment la position incurvée pouvait donner à la sculpture une qualité beaucoup plus naturelle et réaliste. Les problèmes d'équilibre ont présenté des défis techniques, que de nombreux artistes ont surmontés en ajoutant des accessoires sur lesquels s'appuyer les personnages. Au cours des siècles suivants, le style a continué à se révéler populaire, apparaissant à la fois dans des figures drapées et nues, mais a été perdu au cours des âges sombres.

Au cours de la Renaissance italienne et de la période maniériste, divers artistes ont relancé la pose classique, la nommant Contrapposto, qu'ils ont animée en peinture et en sculpture avec une plus grande connaissance de l'anatomie humaine. Plusieurs représentations du personnage David, d'abord par Verrocchio, puis Donatello et plus tard Michel-Ange révèlent une évolution du style Contrapposto alors qu'il est devenu plus élaboré, exagéré et anatomiquement précis, culminant dans la sculpture emblématique de la Haute Renaissance de Michel-Ange, qui combine un corps fluide en forme de S avec un puissant sentiment de force musculaire et de valeur.

De telles poses sont également apparues dans les peintures de la Renaissance et du maniérisme, où des figures simples et multiples ont reçu du dynamisme et de l'énergie à travers des poses tordues suggérant le mouvement, comme on le voit dans la timide de Titien. Vénus sortant de la mer, 1520 et le sous tension Diane et Callisto, 1556-1559 où des figures soigneusement modelées prennent une qualité sculpturale comme si elles se déplaçaient dans l'espace qui les entoure.

La sculpture néoclassique du XIXe siècle a vu un regain d'intérêt pour la tendance populaire de la Renaissance pour les corps Contrapposto, comme en témoigne Antonio Canova. Les Trois Grâces, 1815-17. Les trois muses féminines de Canova créent un mouvement rythmique entre leurs corps alors qu'elles semblent presque danser ensemble en harmonie, avec leur énergie fluide répercutée dans des rideaux suspendus nerveux.


Contrapposto et la Grèce classique

Figure (PageIndex<2>). Diadumenos, Musée Archéologique National d'Athènes

Notre sculpture grecque antique, d'autre part, est autoportant&mdashhe n'a pas été fait pour s'adapter à l'architecture. L'artiste était évidemment beaucoup plus préoccupé par l'anatomie du corps. La silhouette est idéalisée (nude, athlétique, jeune, belles proportions). Les anciens Grecs ont inventé la position dans laquelle se tient cette sculpture. La position est appelée contrapposto. Contrapposto signifie transfert de poids, et nous pouvons voir que la figure a son poids déplacé sur sa jambe droite, tandis que sa jambe gauche est pliée.

La silhouette est asymétrique et très différente sur les différents côtés de son corps. À cause du contrapposto, ce personnage a l'air de pouvoir bouger, et il a l'air tellement plus vivant ! Cette sculpture nous parle de l'humanisme grec et de leur sens de l'énorme potentiel de l'esprit humain et de la beauté du corps humain.


Contraposto

Plus j'y pense, plus il me semble que le développement du contrapposto a été l'un des événements les plus importants de l'histoire de l'art. Il y avait déjà quelques milliers d'années de figures rigides et statiques dans l'art, il n'était donc pas inévitable que les figures sculptées deviennent plus naturalistes. Quelqu'un devait y réfléchir et briser les chaînes de la tradition. En fait, ce n'était probablement pas quelqu'un qui brisait héroïquement les chaînes de la tradition davantage qu'une société s'était développée qui tolérait et même encourageait une nouvelle pensée. Cet événement vraiment, vraiment remarquable s'est produit à Athènes, atteignant un sommet d'inventivité et de raffinement au 5ème siècle avant notre ère, avant que tout ne recommence à se fermer.

J'ai eu l'idée de mettre en contraste un gars dans une pose de contrapposto détendue avec une manière plus formelle et stylisée de représenter le corps humain. L'Égypte en était l'exemple évident. L'art égyptien antique représentait les épaules et le torse de face tandis que la tête, les jambes et les pieds étaient représentés de profil. Une fois que j'ai réuni ces deux modes différents, c'était un petit pas pour imaginer un ancien Égyptien revenant de vacances en Grèce. Le dessin animé offre une assez bonne explication du contrapposto, donc je ne développerai pas. Au fil du temps, le concept de contrapposto a été poussé plus loin dans des courbes en forme de S plus tordues. Si nous prétendons que la Renaissance était le prolongement vrai et naturel de l'art classique antique (ignorant l'écart de plus de 1 500 ans de Rome et du Moyen Âge où ils suivaient des principes différents), nous pouvons voir à quel point et à quel point un artiste comme Giambologna s'amuse eu à développer des figures entrelacées et tordues.

Avec l'invention du contrapposto, les Grecs de l'Antiquité se rebellaient contre l'aspect très rigide et formel de l'art antérieur, qu'ils trouvaient vraiment ringard. Il est difficile d'imaginer une statue grecque rester à la maison un samedi soir. Il existe de nombreuses sculptures d'Apollon fumant une cigarette par exemple. Non seulement les anciens Grecs ont peint leurs statues, mais il y a de plus en plus de preuves qu'ils les ont également vêtus. Une statue d'Hermès a été récemment retrouvée portant une veste en cuir. Les experts se demandent toujours si une paire de jeans trouvée sur une statue d'Héraclès s'était détériorée au fil du temps ou avait été déchirée dès le départ. Aucune ceinture n'a été trouvée, ce qui suggère que le jean pendait bas, révélant son caleçon. Alors, tellement cool.

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Sculpture en bronze au début de la période classique grecque

Les sculptures en bronze grecques survivantes du début de la période classique mettent en valeur l'habileté des artistes grecs à représenter le corps et à exprimer le mouvement.

Objectifs d'apprentissage

Discutez des caractéristiques et des exemples de la sculpture grecque en bronze au début de la période classique

Points clés à retenir

Points clés

  • Alors que le bronze était un matériau populaire pour les sculpteurs grecs, peu de bronzes grecs existent aujourd'hui. On ne connaît une majorité de sculpteurs et de sculptures célèbres qu'à travers des copies romaines en marbre et les quelques bronzes qui ont survécu, souvent issus de naufrages.
  • Les premiers bronzes classiques sont sculptés selon la méthode de moulage à la cire perdue. Les personnages sont créés dans le style Severe avec des corps naturalistes et des visages vierges et sans expression. L'apparence légère des sculptures est due à leur creux et contribue à leur énergie et mouvement potentiels implicites.
  • L'aurige de Delphes, les guerriers de Riace et l'Artemision Bronze affichent tous les caractéristiques de sculpture du style Sévère Classique Ancien tout en démontrant les caractéristiques de la sculpture en bronze, y compris la légèreté du matériau et la vivacité qui pourrait être obtenue.

Mots clés

  • se pavaner: Une tige de support.
  • contraposte: La position d'un personnage dont les hanches et les jambes sont tordues dans le sens opposé à la tête et aux épaules.
  • cire perdue: Une méthode de moulage dans laquelle un modèle de la sculpture est fabriqué à partir de cire. Le modèle est utilisé pour faire un moule. Lorsque le moule a pris, la cire est fondue et coulée, laissant le moule prêt à être utilisé pour couler la sculpture.

Sculpture en bronze grec

Le bronze était un matériau de sculpture populaire pour les Grecs. Composé d'un alliage métallique de cuivre et d'étain, il fournit un matériau solide et léger pour une utilisation dans le monde antique, en particulier dans la création d'armes et d'art. Les Grecs ont utilisé le bronze tout au long de leur histoire.

Parce que le bronze est un matériau précieux, à travers l'histoire, les sculptures en bronze ont été fondues pour forger des armes et des munitions ou pour créer de nouvelles sculptures. Les bronzes grecs que nous avons aujourd'hui ont principalement survécu à cause des naufrages, qui ont empêché le matériau d'être réutilisé, et les sculptures ont depuis été récupérées dans la mer et restaurées.

Les Grecs utilisaient le bronze comme principal moyen de sculpture, mais une grande partie de notre connaissance de la sculpture grecque provient de copies romaines. Les Romains étaient très friands d'art grec, et en collectionner des répliques en marbre était un signe de statut, de richesse et d'intelligence dans le monde romain.

Les copies romaines travaillées en marbre présentaient quelques différences par rapport au bronze original. Des entretoises, ou supports, ont été ajoutées pour aider à soutenir le poids du marbre ainsi que les membres suspendus qui n'avaient pas besoin de support lorsque la statue était à l'origine fabriquée dans le bronze plus léger et creux. Les entretoises apparaissaient soit comme des blocs rectangulaires qui relient un bras au torse, soit comme des souches d'arbre contre la jambe, qui supporte le poids de la sculpture, comme dans cette copie romaine du Diadoumenos Atenas.

Diadoumenos Atenas (copie romaine): L'extension reliant le tronc d'arbre à la jambe de la figure est un exemple d'entretoise utilisée dans les copies romaines en marbre de bronzes grecs originaux.

Technique de la cire perdue

La technique de la cire perdue, également connue sous son nom français, cire perdue, est le processus que les anciens Grecs utilisaient pour créer leurs statues en bronze. La première étape du processus consiste à créer un modèle en argile à grande échelle de l'œuvre d'art prévue. Ce serait le cœur du modèle.

Une fois terminé, un moule est fait du noyau d'argile et un moule de cire supplémentaire est également créé. Le moule en cire est ensuite placé entre le noyau d'argile et le moule en argile, créant une poche, et la cire est fondue hors du moule, après quoi l'espace est rempli de bronze. Une fois refroidis, le moule extérieur en argile et les noyaux intérieurs en argile sont soigneusement retirés et la statue en bronze est terminée.

Les multiples pièces sont soudées entre elles, les imperfections lissées et tout élément supplémentaire, comme les yeux et les cils incrustés, est ensuite ajouté. Parce que le moule en argile doit être cassé lors du retrait de la figure, la méthode de la cire perdue ne peut être utilisée que pour faire des sculptures uniques.

Cautoritaire de Delphes

L'aurige de Delphes est une sculpture en bronze du début de la période classique représentant un conducteur de char grandeur nature. Une inscription à la base nous dit que les statues étaient à l'origine dédiées par un homme, nommé Polyzalus de Gela, à Apollon au Sanctuaire d'Apollon à Delphes.

Polyzalus a commandé et consacré l'œuvre à la commémoration de sa course de chars victorieuse lors des Jeux Pythiques. L'aurige est la seule partie restante d'un grand groupe de statues qui comprenait le char, les palefreniers et les chevaux.

Aurige de Delphes: Aurige de Delphes. Bronze. c. 475 avant notre ère. Sanctuaire d'Apollon, Delphes, Grèce.

Alors que le commissaire était un tyran de la ville coloniale grecque de Gela en Sicile, la statue aurait été réalisée à Athènes. Il a été réalisé par la technique de la cire perdue en plusieurs sections puis assemblé.

L'aurige se tient droit, son bras droit tendu pour saisir les rênes, son bras gauche manque. Il a une taille haute, ce qui semblait probablement plus naturel lorsqu'il se tenait sur son char. Cependant, malgré la taille haute, la silhouette a un haut degré de naturalisme, à égalité avec les développements sculpturaux en marbre du style classique ancien. Les bras, le visage et les pieds sont rendus avec une grande plasticité, et les yeux incrustés et le cuivre ajouté de ses lèvres et de ses cils ajoutent tous un degré de naturalisme.

Comparé aux sculptures archaïques, il semble très naturel. Cependant, en tant que sculpture classique ancienne, l'aurige n'a pas encore atteint le style classique complet. Le sourire archaïque a disparu, mais le sien semble presque vide et sans expression, à égalité avec d'autres sculptures produites dans l'orgelet sévère du début de la période classique.

Guerriers de Riace

Les guerriers de Riace sont un ensemble de deux sculptures nues en bronze de guerriers masculins qui ont été récupérés au large de la côte de Riace, en Italie. Ils sont un excellent exemple de la sculpture classique ancienne et de la transition entre les styles de sculpture archaïque et classique.

Les personnages sont nus, contrairement à l'Aurige. Leurs corps sont idéalisés et semblent dynamiques, avec des membres libérés, un changement de poids contrapposto et des têtes tournées qui impliquent un mouvement. Les muscles sont modelés avec un haut degré de plasticité, que le bronze amplifie grâce aux reflets naturels de la lumière. Des éléments supplémentaires, tels que du cuivre pour les lèvres et les mamelons, des dents en argent et des yeux incrustés de verre et d'os, ont été ajoutés aux figures pour augmenter leur naturalisme. Les deux personnages tenaient à l'origine un bouclier et une lance, qui sont maintenant perdus. Le guerrier B porte un casque et il semble que le guerrier A portait autrefois une couronne autour de la tête.

Guerriers de Riace: Guerrier A (à droite) et Guerrier B (à gauche). Bronze, ch. 460-450 avant notre ère, Riace, Italie.

Artémision Bronze

L'Artemision Bronze représente Zeus ou Poséidon. Les deux dieux étaient représentés avec des barbes pleines pour signifier la maturité. Cependant, il est impossible d'identifier la sculpture comme un dieu ou l'autre car il peut s'agir soit d'un éclair (symbolique de Zeus) soit d'un trident (symbolique de Poséidon) dans sa main droite levée.

La figure se tient dans un nu héroïque, comme on pourrait s'y attendre avec un dieu, les bras tendus, se préparant à frapper. Le bronze est de style Sévère avec un corps musclé idéalisé et un visage sans expression.

Comme le Charioteer et les Riace Warriors, l'Artemision Bronze retenait autrefois du verre ou de la pierre incrusté dans ses orbites désormais vacantes pour augmenter sa ressemblance. Le talon droit du personnage se soulève du sol, ce qui anticipe le mouvement que le personnage est sur le point d'entreprendre.

Le plein potentiel du mouvement et de l'énergie du dieu, ainsi que la grâce du corps, se reflètent dans la modélisation du bronze.

Artémision Bronze: La figure en bronze d'Artemision représente Zeus ou Poséidon, c. 460-450 avant notre ère, Cap Artémision, Grèce.


L'importance du contrapposto dans l'art

À quoi ressemble une personne lorsqu'elle est debout ? Dans la sculpture égyptienne, la réponse à cette question mettait l'accent sur la symétrie naturelle du corps humain. La manière « correcte » de voir une sculpture égyptienne était de face, afin de voir l'équilibre naturel de la figure humaine idéalisée, avec des épaules égales, des bras symétriques et des hanches horizontales.

Ces traits sont passés à la sculpture grecque. Pourtant, l'un des aspects les plus intéressants du développement de la sculpture grecque a été la création d'un nouveau type de posture. C'était subtil au début, mais cela allait avoir un impact énorme sur le cours de l'art grec - et le cours de l'art occidental qui a suivi.

Connu depuis la Renaissance sous le nom contraposte, cette invention nuancée mais fondamentale a offert un tournant dans le cours de la représentation naturaliste.

Regardez cette statue d'un kouros (un jeune homme nu) connu sous le nom de Kritian Boy. Voyez comment le poids du corps repose sur une jambe au lieu de deux. La jambe gauche se tient debout, supportant le poids du haut du corps, tandis que la jambe droite est plus détendue et légèrement pliée au niveau du genou. Cette statue est l'un des premiers exemples survivants de contraposte dans l'art grec, réalisé vers 480 av.

L'effet de ce déséquilibre de poids est de provoquer une légère torsion des hanches de la silhouette, de sorte qu'au lieu de paraître au garde-à-vous, la silhouette a une sensation plus détendue.

Cet exemple provient de ce que l'on appelle la période stylistique « Sévère » de la sculpture grecque, il pointe également vers l'avenir. L'art qui a suivi s'est éloigné de ces postures rigides, et le contraposte La technique a été utilisée comme méthode fondamentale pour libérer la sensation des figures sculptées.

Les contraposte La technique est plus facilement visible dans cette sculpture un peu plus tardive, attribuée au sculpteur grec Polykleitos. L'image ci-dessous est une copie romaine en marbre réalisée d'après l'original en bronze, qui a ensuite été perdu.

Cette statue représente un porteur de lance, très probablement un athlète olympique idéal. La répartition du poids, étant porté sur une jambe tandis que l'autre est détendue, est plus prononcée dans cette statue : vous pouvez voir comment l'asymétrie des jambes provoque le mouvement dans tout le reste du corps. Les hanches s'inclinent, ce qui fait que le torse se contracte d'un côté et s'ouvre de l'autre. De cette façon, une symétrie plus large cède la place à une pose plus flexible dans l'ensemble, un bras est levé (tenant la lance manquante) tandis que l'autre pend d'un côté. La tête est tournée comme si elle regardait au loin. La sculpture peut être vue sous de nombreux angles - vue "en ronde-bosse" - tout en offrant tout son impact.

Le développement de contraposte était lié à l'intérêt des Grecs pour le corps humain nu et pour les vertus de la réussite athlétique et du noble courage. Le succès de contraposte vient de la manière dont les muscles peuvent être vus se tendre ou se détendre à travers le paysage du corps d'une manière naturaliste.

Ces idéaux concernant le corps humain ont été transmis aux artistes romains, qui ont regardé l'art grec avec une profonde vénération. Pourtant, après le déclin de l'Empire romain, le contraposte la technique était plus ou moins perdue ou oubliée.

Ce n'est que pendant la Renaissance italienne que la pose classique a été explicitement relancée. S'inspirant des sculptures romaines que l'on déniche à travers l'Italie à l'époque, les sculpteurs italiens se réveillent et la méthode. En effet, contraposte est un mot italien qui signifie « contrepoids » et a été inventé à l'époque de la Renaissance.

Peut-être la sculpture la plus célèbre qui utilise contraposte est la sculpture de David de Michel-Ange, réalisée vers 1504 et maintenant conservée à la Galleria dell'Accademia de Florence.

Dans cette statue, le contraposte le style a été élaboré et exagéré. La jambe gauche de David est fortement détendue, ajoutant un poids supplémentaire sur la jambe droite. L'inclinaison habituelle des hanches est là avec elle, le bras droit pend longtemps, presque fortement, de sorte que tout le torse et la ligne des épaules se penchent d'un côté. Dans l'ensemble, la disposition est asymétrique mais harmonisée : la ligne des épaules contraste avec la ligne des hanches, mais l'équilibre général survit.

L'éclat de la posture est dans le sens psychologique de l'œuvre. David, le tueur du géant Goliath, rumine avec sa fronde sur son épaule. La posture détendue — étayée par la contraposte mouvement - se combine avec une douce forme de S dans le corps pour donner un sentiment de courage serein fondé sur la force musculaire.

Je m'appelle Christopher P Jones et je suis historien de l'art, critique et auteur de Comment lire les peintures. (Cliquez sur le lien pour Kindle, Apple, Kobo et d'autres appareils de lecture électronique).


Courbe en S (art)

Dans les arts visuels, un Courbe S est une courbe en forme de « S » qui sert une grande variété de fins de composition. Le terme est généralement appliqué à la figure humaine debout qui se penche d'abord dans un sens, puis dans l'autre. Elle peut également être appliquée plus généralement, par exemple dans la peinture de paysage et la photographie.

Dans la sculpture grecque et romaine antique, la courbe en S est un concept d'art traditionnel où le corps et la posture de la figure sont représentés de manière sinueuse ou serpentine. Il est lié à et est une extension du terme d'art de contrapposto qui est lorsqu'une figure est représentée affalée ou plaçant son poids et donc son centre de gravité d'un côté. Cependant, la courbe en S implique davantage le corps que le contrapposto et est donc considérée comme un développement technique plus avancé. Le concept de "S Curve" a probablement été inventé par le célèbre sculpteur grec Praxitèle, fils de Kifissodotos, qui a vécu au 4ème siècle avant JC. [1]

La pose indienne du tribhanga ("trois coudes") est similaire, mais généralement plus prononcée, souvent avec le cou également courbé d'un côté. Cela remonte à au moins 100 avant JC. [2] La courbe en S a été relancé dans l'art gothique à partir du 14ème siècle, en particulier dans les sculptures de la Vierge. [3] Les figures gothiques en ivoire, typiquement de la Madone, avaient déjà acquis une « influence gothique » d'un côté pour s'insérer dans la défense incurvée, et courber la tête ou le haut du corps en arrière de l'autre donnait un résultat plus satisfaisant.

La figura serpentinata est une variante ou un développement de la pose. Le terme n'est généralement appliqué qu'à l'art à partir de la Renaissance, et Donatello est souvent considéré comme son inventeur. [4] Alors que dans toutes ces périodes, la courbe en S est originaire de la sculpture, elle a également été utilisée dans les figures bidimensionnelles dans divers autres médias.


Analysez l'art comme un professionnel avec ce glossaire d'histoire de l'art.

Résumé

En rupture avec la représentation figurative des objets, abstrait l'art réinvente l'imagerie comme une étude de la relation entre la forme, la forme, la couleur et la ligne. L'abstraction se produit sur un continuum, y compris les formes fracturées mais reconnaissables du cubisme et la nature totalement non picturale de l'expressionnisme abstrait.

Assemblage

Cette forme ou médium artistique utilise un mélange de matériaux qui créent des couches tridimensionnelles à partir d'une base fixe. L'utilisation de différents matériaux le rend similaire au collage, mais sous une forme tridimensionnelle. Assemblage a ses origines dans le cubisme et le travail d'artistes comme Man Ray et Vladimir Tatlin, qui ont souvent utilisé des objets trouvés dans leurs œuvres.

Avant-garde

Le terme français avant-gardese traduit littéralement par « garde avancée », mais est utilisé pour décrire des œuvres d'art, des mouvements ou des artistes expérimentaux et avant-gardistes.

Coup de pinceau

Le pinceau fait référence à la façon dont un peintre applique de la peinture sur une surface. Il se caractérise généralement par la taille, la texture et la précision des traits. Par exemple, un coup de pinceau peut être décrit comme « serré » ou « lâche » en fonction de leur visibilité à l'œil nu.

Peinture à l'huile sur toile (Photo : Stock Photos de Sweet Art/Shutterstock)

Clair-obscur

Italien pour “clair-foncé,” clair-obscur est l'utilisation de forts contrastes entre la luminosité et l'ombre pour obtenir une impression de volume et de dimensionnalité. Cette technique unique a été développée pendant la Renaissance italienne par Léonard de Vinci, la période baroque par le Caravage et l'âge d'or hollandais par Rembrandt.

Composition

Les composition d'une œuvre d'art est la manière dont ses éléments visuels sont disposés, notamment en relation les uns avec les autres.

Conceptuel

Cette forme d'art du XXe siècle s'est développée dans les années 1960, lorsque les artistes ont commencé à mettre l'accent sur les idées et les concepts plutôt que sur le produit fini. L'art qui est conceptuel s'affranchit de toutes les règles standard et peut prendre n'importe quelle forme, de la sculpture à la peinture en passant par les événements et les performances.

Contour

En tant que contour de quelque chose, le contour est l'un des éléments constitutifs du dessin. L'utilisation de différentes lignes de contour peut considérablement changer l'apparence d'une œuvre d'art et est plus évidente dans le dessin au trait. La danse d'Henri Matisse n'est qu'un exemple d'une œuvre d'art connue pour ses contours distincts.

Contraposto

En sculpture, catrapposte(&ldquocounterpose&rdquo en italien) est une posture asymétrique dans laquelle la majeure partie du poids d'une figure est répartie sur un pied. Cela se traduit par une position réaliste, comme le montre la célèbre œuvre de Michel-Ange David statue.

Figuratif

Une œuvre d'art est considérée figuratif lorsque son sujet est figuratif.

Premier plan

Les premier plan d'une œuvre d'art est la partie de la composition la plus proche du spectateur. Il est généralement perceptible à partir de l'arrière-plan, qui semble être plus éloigné.

Raccourcissement

Raccourcissement est une technique dans laquelle un artiste déforme la perspective pour évoquer une illusion de profondeur. Les sujets raccourcis semblent souvent reculer dans le plan de l'image.

Giorgione, ‘The Tempest' (ca. 1506-1508) (Photo: Ismoon via Wikimedia Commons Public Domain)

Genre

UNE genre fait référence à un type d'art (généralement la peinture). Des exemples de genres incluent le paysage et la nature morte.

Iconographie

L'iconographie fait référence au sujet, ou aux images, utilisées pour transmettre un sens ou communiquer un message dans une œuvre d'art.

Empâtement

Ce mot italien pour “mixture” fait référence à d'épaisses couches de peinture utilisées pour créer une texture. S'il a été utilisé pour la première fois par les peintres vénitiens à la Renaissance italienne, il s'est véritablement imposé au XIXe siècle. Peintre paysagiste de renom J.M.W. Tourneur d'occasion empâtement pour construire des couches de couleur et de drame dans son travail. Les peintres utilisent souvent des couteaux à palette pour cette technique, qui vise à souligner leur talent à manipuler le médium choisi.

Moyen

UNE moyen est le matériau utilisé pour créer de l'art. Des exemples de médiums sont la peinture à l'aquarelle, l'huile, le pastel, le marbre et le fusain.

(Photo: Photos d'archives de Happy Person/Shutterstock)

Moderne

En tant que mouvement, le terme “moderne” fait référence à l'art créé entre le début de l'impressionnisme et le Pop Art, qui a inauguré l'art contemporain. À une échelle plus générale, cependant, « moderne » peut signifier actuel ou de pointe.

Motif

Dans les arts visuels, un motif est un élément de l'iconographie. Dans les peintures, un motif peut se référer à n'importe quelle caractéristique picturale de la composition. Dans les arts décoratifs et l'architecture, il désigne souvent un symbole reconnaissable qui se répète.

Récit

Récit, en termes d'histoire de l'art, est la narration visuelle qui se produit dans une œuvre d'art. Bien que toutes les œuvres d'art n'aient pas une histoire claire, l'art narratif demande aux peintres et aux sculpteurs d'utiliser des indices visuels afin de guider les spectateurs à travers une série d'événements.

Penmento

Penmento (“repentance” en italien) fait référence à la présence de preuves qu'un artiste a peint sur un sujet déjà rendu. Dans Le vieux guitariste par Pablo Picasso, par exemple, le contour vague d'un visage de femme se dessine sous les derniers coups de pinceau.

Détail de Picasso, « The Old Guitarist » (1903) (Photo : The Art Institute of Chicago via Wikimedia Commons Public Domain)

Perspective

La perspective est la représentation de la profondeur et de l'espace en 3 dimensions sur une surface plane. Il y a deux principaux types de points de vue: linéaire et atmosphérique. La perspective linéaire utilise des lignes d'intersection et des points de fuite comme moyen de faire apparaître les objets loin. D'après Léonard de Vinci en Un traité de peinture, la perspective atmosphérique, quant à elle, illustre l'idée que « les couleurs s'affaiblissent proportionnellement à leur distance par rapport à la personne qui les regarde » à travers des changements de tonalité.

Escalader

Escalader fait référence à la taille d'un objet par rapport à un autre. Souvent, comme dans le cas des peintures à grande échelle, cette comparaison est basée sur la taille réelle de l'objet représenté.

Sfumato

Essentiellement associé aux peintures de Léonard de Vinci, sfumato(dérivé de fumo ou “smoke” en italien) est une méthode d'ombrage et de mélange de couleurs qui évoque une brume douce et “smoky”. Cette technique est apparente dans l'arrière-plan flou et les traits du visage légèrement définis du Mona Lisa.

Style

Une oeuvre d'art style est une classification de son apparence visuelle. Souvent, le style est caractérisé en fonction de l'approche esthétique distinctive d'un artiste, d'un mouvement artistique, d'une période ou d'une culture.

Ton

Ton fait référence à la clarté ou à l'obscurité d'une couleur particulière.

Trompe-l'oeil

En français, trompe l'oeil signifie "tromper l'œil". C'est une technique qui crée des illusions d'optique de tridimensionnalité en utilisant des images réalistes accrocheuses.

Pere Borrell del Caso, "Échapper à la critique" (1874) (Photo: Collection Banco de España via Wikimedia Commons Public Domain)


Pourquoi les téléspectateurs sont attirés par les poses incontournables des artistes de la Renaissance

Une nouvelle étude publiée dans la revue Archives du comportement sexuel suggère que les artistes connaissent depuis longtemps une astuce simple pour améliorer l'attractivité des modèles : demandez-leur simplement de poser avec leur poids déplacé sur un pied.

Cette position—appelé contraposte—devrait être familier à quiconque a vu les Botticelli’s Naissance de Vénus, les Vénus de Milo ou Michel-Ange’s David. Comme Actualités artnet’ Taylor Dafoe explique, contrapposto trouve des sujets plaçant leur poids sur une jambe pour créer une légère courbure entre les hanches et la taille. (Inventée par les anciens Grecs, la pose représente « l'un des premiers exemples d'artistes qui imprègnent les fac-similés de la figure humaine d'un sentiment de mouvement et d'émotion. » Incliner légèrement le torse et s'assurer que ses bras et ses épaules le font ne pas courir parallèlement aux hanches abaisse le rapport taille-hanches, ou WHR, produisant une forme de sablier sinueuse.

Pour évaluer l'attrait de la position, des chercheurs dirigés par Farid Pazhoohi, psychologue à l'Université de la Colombie-Britannique, ont créé des avatars en 3D de femmes debout ou en contrapposto. L'équipe a montré ces avatars, coupés des épaules aux genoux, à 25 étudiants hétérosexuels et 43 femmes hétérosexuelles. Dans l'ensemble, Nicola Davis rapporte pour le Gardien, les sujets des deux sexes ont jugé les figures de contrapposto les plus attrayantes. En moyenne, les hommes étaient plus susceptibles que les femmes de juger la collection d'images attrayante.

Les données de suivi oculaire obtenues par les scientifiques ont révélé que les hommes et les femmes passaient le même temps à regarder les avatars debout et droits à gauche et à droite. Mais en ce qui concerne les avatars contrapposto, les sujets s'attardaient sur le côté avec la légère courbure, c'est-à-dire là où la distance entre les hanches et la taille était la plus petite.

S'adressant à Davis, Pazhoohi a déclaré que les artistes avaient compris depuis longtemps le pouvoir du contrapposto : « Nous pensons que les artistes « ont intuitivement compris que cette posture est plus attrayante et l'ont appliquée dans leurs efforts artistiques ».

Comme le souligne Dafoe, l'étude n'a pas évalué si les hommes prenant une pose de contrapposto seraient considérés comme « visuellement agréables » que les femmes qui l'ont fait. Les chercheurs ne se sont pas non plus penchés sur la question de savoir si la préférence pour la pose est basée sur des siècles de conditionnement culturel ou de prédisposition biologique. Certaines études suggèrent qu'un faible WHR est en corrélation avec une fertilité et une fécondité élevées, La psychologie aujourd'hui’s Nathan Lents note, mais “les tentatives d'établir cette relation ont [obtenu] des résultats obscurs.”

Pazhoohi, un expert en langage corporel de premier plan qui a déjà étudié l'attrait des dos cambrés et des orteils tournés vers l'intérieur, a déclaré à Davis : « Quand les mannequins [marrent] sur le podium ou que les danseuses font de la danse du ventre, elles essaient d'apparaître fréquemment dans un corps de contrapposto exagéré. formulaires.”

Il ajoute : « De même, lorsque les femmes marchent [dans] des talons hauts, cela contribue à accentuer la forme contrapposto. »

À propos de Jason Daley

Jason Daley est un écrivain basé à Madison, dans le Wisconsin, spécialisé dans l'histoire naturelle, la science, les voyages et l'environnement. Son travail est paru dans Découvrir, Science populaire, À l'extérieur, Journal des hommes, et d'autres revues.


La position d'une figure dont les hanches et les jambes sont tordues loin de la direction de la tête et des épaules.

Sculpture dans la période du haut classique grec

  • Les athlètes sont représentés dans contraposte positions.
  • Le Diadumenos se trouve également dans contraposte, bien que son mouvement semble plus en avant et plus stable que celui du Discophoros.
  • Les Discophoros et Diadumenos, ainsi que les Doryphoros, démontrent la souplesse de composition basée sur le Canon et la vivacité innée produite par contraposte postures.
  • Son corps tient un contraposte pose une jambe porte son poids, tandis que l'autre est détendue.

Sculpture en marbre et architecture au début de la période classique grecque

  • Une partie de cette illusion est créée par une position connue sous le nom de contraposte.
  • Cette contraposte position anime la figure par la relation des membres tendus et détendus.
  • Il est surtout connu pour son traité sur le nu masculin, connu sous le nom de Canon, qui décrit le corps esthétique idéal basé sur des proportions mathématiques et des conventions classiques telles que contraposte.
  • La figure a un visage de style sévère et un contraposte position.
  • Cette sculpture montre comment l'utilisation de contraposte crée une composition en forme de S.

Michel-Ange

  • Veins bulge out of his lowered right hand, but his body is in a relaxed contrapposto pose, and he carries his sling casually thrown over his left shoulder.
  • In the Renaissance, contrapposto poses were thought of as a distinctive feature of antique sculpture.

Raphael

  • For example, Raphael's Saint Catherine of Alexandria (1507) borrows from the contrapposto pose of da Vinci's Leda and the Swans.
  • Saint Catherine of Alexandria (1507) borrows from the contrapposto pose of da Vinci's Leda.

Oil Painting

  • There is no clear theme to The Tempest, which depicts a semi-nude woman suckling a baby while a man stands in contrapposto.

Sculpture in the High Renaissance

  • The work is nude, in emulation of Greek and Roman sculptures, and the David stands in a contrapposto pose.

Mannerist Sculpture

Stelae in the Greek High Classical Period

  • He stands in a contrapposto pose with a cocked head, reaching for the flask held by the young attendant.

Bronze Sculpture in the Greek Early Classical Period

  • Their bodies are idealized and appear dynamic, with freed limbs, a contrapposto shift in weight, and turned heads that imply movement.

Imperial Sculpture in the Early Roman Empire

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Voir la vidéo: bruce nauman (Juin 2022).


Commentaires:

  1. Kylan

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